| 练吉他心得 |
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作者：佚名 文章来源：不详 点击数： 更新时间：2006-5-3 18:39:24  |
2004-05-28 15:52:55 死亡金属的演奏技巧 原作者： 无声键盘转载 节奏部分 1切分：突出潜在节奏感的初衷，最终让金属乐乐队选择了切分的方法——颠倒强、弱拍的原有顺序，顾名思义，强拍通常较弱而弱拍较强。虽然吉他是制造这种效果的首选乐器，但各种旋律的相互重叠和覆盖是得到这种效果的最有效方法，所以死亡金属一般还注意了突出双低音、黑金属则突出嘈杂、爆炸般效果的鼓来完成这一效果。切分的主要作用是激活潜在的节奏来驾驭整个作品，所以也经常可以听到死亡金属中采用双低音鼓和高音感十足的镲（炸镲）来为主要的构造层次切分。 2复合节奏：通过复杂的演奏达到增强音乐的层次感一直是各种摇滚乐队的努力方向。改变直线型的结构最简单有效的方法就是将不同的节奏分割成较小的片段，并且让它们在一个较长的时间段里互相作用、互为补充。比如较常见的以吉他做为主要节奏乐器的同时加入贝司和鼓的背景节奏。尽管死亡金属总是给人一种杂乱无章的感觉，但无论速度、音色、强烈失真的效果都没有削弱复合节奏感。复合节奏不仅使音乐更加丰满而且可以有效地表现出较深层的音乐美感，这也正是死亡金属引人入胜的地方。如果再拥有不错的编曲和错落有致的重复旋律就一定会制造出不错的音乐氛围。 3打击乐：死亡金属的打击乐自然都是非常极端，比如飞快的速度、低沉的音质和风驰电掣般的镲。打击乐在死亡金属中占有举足轻重的位置，在很大程度上“死亡感”应归功与它。 4织体：多层次的节奏组成了主要的织体。例如，一个和弦在飞快的演奏中本身就具有它独立的层次和节奏，当它作为主导和弦的同时，它必然会带动其他乐手的变化。这样就形成了一个个性十足又相得益彰的整体结构。但最主要的音符不过两、三个，它们只不过是以不同的面孔反复出现在作品中。 旋律部分 1谐和音：正规的旋律一般为较传统的死亡金属乐队所采用，这是由于受到了爵士乐和早期摇滚乐的影响。所以这种死亡金属比较有亲和力和主流倾向，自然也较容易为听众接受。比较有代表性的乐队如Atheist(无神论者)和At the Gate(大门处)。 2不谐和音：当然是指那些采用不谐和的音符创造出的旋律。这肯定会产生一种邪恶、悲哀的感觉，而这却是死亡金属乐队争相效仿的创造方法，坦率地说这种音乐才够死亡。 3无调性：没有调性、没有根音的音乐只能是古怪的和扭曲的，再加上不谐和音的大量融入，难免给人一种找不找北的感觉，死亡金属最令人头疼、最经典的地方正是在此。 结构部分 1循环：指的是verse-chorus-verse(主歌-副歌-主歌)这样传统的行进方式，做为标准的歌曲组成方式，它同样为大部分的死亡金属乐队采用，但无调性削弱了这种标准的行进方式，所以经常会让人对此产生怀疑。 2叙事体：大量的Riff形成一个承上启下的有序结构，在这种情况下单一的部分往往被忽略，这样这个有序结构就起到了像“讲故事”一样层层递进的效果。也有人将此称做“Riff沙拉”。 演唱部分 1歌唱：这里的歌唱指的是较“正常”的演唱方式。不过这种演唱方法在死亡金属中的确很罕见，优美的嗓音外加励志的歌词？不过死亡金属的这种“正常”的演唱方式多以神秘主义为对象，倒是别有一番滋味。 2喊叫：硬核/朋克喊叫式演唱方法还是经常出现在死亡金属中，不过更多是在主唱由沙哑咆哮转向爆发的那一刻，比如，“啊……！”“Die(死)……！”这些“表决心”的内容。一些比较倾向于硬核/朋克的死亡金属比较多地采用了这种演唱方法，但有些清晰和单调的演唱到底不够彻底的“死亡感”。 3扭曲：应该怎样形容这种演唱方法呢？——“烟酒过度和吃盐太甚”的劈裂嗓音或被痰卡住喉咙的哽咽感？如果这个形容还不够传神，那你可以想想Motorhead的主唱Lemmy Kilmeister(其实真正的死亡歌手比他要厉害很多)。按道理大家都可以低沉沙哑地咆哮，但也就一两声而已，这可是个重体力活(奉劝体力不济的千万别轻易尝试，以免发生意外)，但它却是死亡金属最为普遍的演唱方式。真不知这些人的嗓子到底是不是肉长的，而这也正是死亡金属最为鲜明的招牌，没这种嗓音还真是有种没着没落的感觉。不过，一般人根本别想听清他们到底在唱什么。 关于摇把的一些技巧 原作者： 二拳硬乐 摇把的技巧是每个电吉他手所必须掌握的，摇把也是电吉他魅力的充分展示，我根据自己的一些经验然后再参考了一些书上的知识，写了以下一些东西，请大家多提宝贵意见。摇把最多的是用来模拟自然声响，电吉他除了在乐队里起着领奏伴奏的作用外，还有很多特殊功能。这些特殊功能有很多都是利用摇把来做的。 1.模拟摩托车启动声首先选择一种失真加压缩效果的音色，再开始弹响第六弦。同时注意把其他的弦的音止住。然后把摇把尽量下压，在慢慢上提，每次提的时候要注意速度比压的时候要慢点，当提到一定高度的时候有迅速下压。在摇把上提的同时，左手从低把位向高把位滑动，不能一次滑到底，要注意和摇把配合好。反复几次，摩托车就开走了。（开走时要渐弱）。练习的时候多注意用耳朵听，找到摩托车启动是的感觉。仿真度极高。 2.马叫声范海轮的成名技巧之一。是靠摇把和匹克泛音结合在一起产生的。选择好一种明亮的失真音色，匹克泛音最好在一，二，三弦上做，左手最好在十二品以后。我习惯在二弦上，略靠近当中拾音器的后部做，这样打出的泛音很尖。泛音出来的同时配合左手的推弦，同时摇把上提，上提一定程度后，然后再上下快色摇动，发出颤音。然后摇把稍稍松点。同时注意颤音不要停，摇把的震动频率不要变。这样就得到了马叫的声音。仿真度很高。 3.马蹄声靠点弦获得的一种效果。用的还是失真音色。但音要厚一点。点弦可以在一，二弦交替，同时用右手小臂将一二弦盖住，使点弦发出闷音。注意要自己体会马蹄的节奏。我试过，效果不是很好！ 4.海鸥声左手无名指按住一弦十五品，右手匹克在前组拾音器出拨弦，同时左手无名指向琴颈方向下滑，并迅速离弦，适度加入延时效果 。要注意右手的力度由强到弱，使叫声产生飘渺的效果。效果相当迷人，不亚于效果器！ 5.制作大三弦音色将拾音器开关打到前拾音器的位置，是本音色处于浑厚状态，右手手掌靠在琴桥上，匹克拨弦，注意手掌不能越过琴桥，否则音准会发生偏高。适度加入延时。效果很好。可惜我没看懂是怎么回事！：（ 6.钟声的制作。做一个深度延时的效果。左手食指在第七品处将三四弦相交叉迭起，右手匹克拨四弦。效果就出来了。熟悉以后同时用左手无名指将五六弦交叉迭起再做一个钟声效果。这是匹克交替拨四五弦。此效果类似与教堂里大钟的效果/ 7.雨点声也是用深度回响。左手横按于第五品，（DM和弦），演奏分解和弦。在演奏到弱拍的时候左手迅速送开，看不要离开弦。即消音。这是右手拨出的声音就类似于雨点声。这个效果我也没有试验出来。请大家试试，到底是怎么回事！ 关于摇把使用的动作要领 原作者： 赵卫 摇把有很多用法.动作要领:主要是右手拨完弦后的动作一定要迅速将摇把拿到,这时你要是用它来表现单音,就把它当拨片来用,(不过是要有提前量的)不管是向下还是向上(大部分是向下)要提前压下去,然后再把它放到正常.表现一些装饰音下摇的幅度不要太大.表现泛音和特殊效果时(模仿摩托车的那种)就要呀到底,漫漫的放上来,这时要用右手的外手掌和胳膊用力了.这还取决于你的弹簧的松紧和好坏!如要用它来表现颤音时,要注意,要上下颤,幅度不能太大,不过要比手颤大一些,这也取决你要表现的音乐.练习曲可参考"小林克己"初级摇把的那课! 谈谈如何用匹克找准琴弦 原作者： kaka008转载 作为匹克的初学者，你一定遇到了一个难题：在用匹克演奏华彩（旋律）和分解和弦时，匹克往往找不准弦，该弹的弦没拨到，而不该弹的弦又给拨响了。那么如何解决这个问题呢？下面，我结合自己的练琴实践和教琴经验给朋友们谈几点看法，供初学匹克的朋友参考。 1、右手的位置要固定。在用匹克弹华彩和分解和弦时，一般右手小指应支在吉他1弦下边的面板上（弹扫弦节奏除外）。弹奏时，靠改变右手小指的倾角而使右手（拨片）能稍微上下移动以便能拨到1至6弦。应注意三点： （1）右手小指只起一个右手位置的定位作用，只可轻轻支在面板上，不能让它随重力，否则会造成右手的紧张和疲劳。 （2）小指在面板上支点位置离1弦远近要据个人手型及大小而定，并以匹克拨奏1弦和6弦时右手不过于紧张，费力为标准。 （3）右手小指在面板上的支点离琴码的远近直接决定了吉他的音色，要根据歌曲的情绪和个人喜好而定。一般来说，弹奏分解和弦时触弦位置应稍稍偏向琴码一侧，使音色明亮；而弹扫弦节奏时触弦位置应靠近音孔，以求得音响效果更加丰富。 2、匹克的拿法要讲究。在用匹克弹华彩或分解和弦时，右手握匹克要多些，即匹克露出部分要少些（当然也不可过少），这样我们更容易掌握匹克，对控制拨弦力度和准确找到该弹的弦都是有利的。 3、拨弦方向要固定。在用匹克弹华彩和分解和弦时，我们一般要用匹克一上一下地拨弦。这一上一下可不是随意的，要加以科学安排，这便于演奏并有利于前后动作的连接。但无论你怎样安排，只要练熟了就不要轻易改变。因为在实际演奏中，哪怕只有一个音的拨弦方向与练习时不同，都可能会让你阵脚大乱甚至弹不下去。 4、进行专门的、有针对性的练习。 以上纯属我个人经验，高手们不要笑话了交替拨弦的示范 原作者： kaka008转载 交替拨弦的重要性 使用拨片来拨弦主要有两种技巧：一、交替拨弦；二、扫拨技巧。当然还有诸如：混合拨弦、经济拨弦、全部下拨等。但最重要也是最常用的就是交替拨弦，其他拨弦方式都应该是以交替拨弦为基础或前提。交替拨弦的重要性怎样强调都不过份。有了较高的交替拨弦技术，拨片弹拨的速度和准确性才可能提高，节奏才能更加稳定，时值也才更好掌握。可是遗憾的是，现在有近百分之七八十的同学就没有严格的按照交替拨弦，而是按照自已的习惯，或根本没有一点规律，这是不行的，大家从弹琴的一开始就要养成交替拨弦的好习惯，否则，当养成坏毛病再改起来就很困难了。实际上，交替拨弦是很好掌握的，但必须先要在思想上给予重视。 下面我来举几例子讲解一下交替拨弦。比如前八后十六、前十六后八和切分节奏等等吧。其时它们都是交替拨弦的变形。前八后十六的节奏，正确的拨弦方向是：“下—下—上”，而它的：“下—上—下—上”基本节奏没有变，拨弦的动作也并没少，只是第二个十六分音符没有弹响。前十六后八的节奏，它的正确的拨弦方向是：“下—上—下”，它的基本节奏是“下—上—下—上”，只是它的第四个音符没有弹响。切分音符、附点音符、连音音符等等都应该运用同样的原理。 三连音有两种拨弦方式，一个是交替拨弦，另一个是：“下—上—下”。前一种方法的优点是能弹的很匀、很快，被绝大多数人在绝大多数情况下采用。后一种方法的优点是能弹出重拍、节奏也好控制一些（弹奏与节奏正好一致）。注意！后一种方法虽然不是纯粹的交替拨弦，但明显的是它以交替拨弦为基础并且是有规律的。所以，在遇到三连音时，可以根据情况和个人特点来选用以上两种之中的一个。 还有一些跨弦乐句也一定按照交替拨弦，交替拨弦其科学性在于它的拍子上，下拨是强拍，上拨是弱拍。在几乎所有的拨弦中，你都能找到交替拨弦的影子。 弹琴经验及教学经验告诉我，熟练掌握了交替拨弦，在以后的弹琴中你将受益无穷。 给初学弹琴的朋友们一点建议 原作者： kurtwood 弹琴很长时间一直弹不好，最近才有了一点感觉，给像我一样的朋友分享一下。弹琴的基础首先是手指的力量，没有力量其他的什么都谈不上，不管是左手还是右手。从基本功上来说，力量，扩展，手指的独立性是最基本的。但是练习扩展性和独立性比较枯燥，在没人督促和指导的情况下，很可能在进行不正确的练习，而且也很难坚持。所以，弹很长的时间可能都没什么进步。但是力量的练习，我想每个人咬咬牙都能挺过去。练习手指的力量主要有两种方法，一个是击弦、钩弦的练习；一个是推弦。这两个都太重要乐。大家最好能够找个老师先把姿势纠正好乐，再练。右手的拨片练习也很重要，不停的拨。现把左右手的基本条件连好乐，在去弹音阶什么的，事半功倍。请大家指教。。。 丝忆网友关于节奏练习的讨论 原作者： 丝忆网友 啥也不懂： 我这几年练琴，连出了点毛病想问问高手就是我练的这几年都是主音的东西，可忽略了节奏现在想起来好像对主音的东西么敏感一些可是和弦却好像很陌生扒带的时候，主音很快就可以搞定走向按照贝斯音也能扒出来可遇到分解和弦就说什么也扒不出来！很费劲的有没有人可以告诉我应该怎样来练对分解和弦的敏感性谢谢～～～～～～～ 二拳硬乐： 对呀，我也有这个毛病……我是绝对的忽视节奏的那种，METALLICA的节奏我都是以为只要肯练就没啥，但是现在才知道，那种疯狂的下拨和迟钝的六连音根本不是人类所能做出来的。还有，大师们的那些和声真的是让我听了舒心，扒起来伤心，是不是我该学学和声学了，但是据说很难。 铃音： 是这样的,原因很简单,你几年都是苦练主音,而没有注意到和弦, 主音是由一连串单音组成,就算在快,经过长期的演奏视听也能把握住, 就象你现在已经做到的一样,可合弦是几个音重叠在一起,就算是分解 (一个接一个发音)它还是存在音符共响,你耳的敏锐度过于偏向单音的音准了, 何况摇滚乐里的合弦,尤其是老外的,多是属合弦和转位和弦, 这就只能平时多弹多练了. 老外编配合声都是有套路的,象二拳兄说的METALLICA,他最喜欢用的一种分解就是根音上行或下行,其他音不变,这种音效真是很好听, 西洋味很浓,我随便举个例子:(每组后两个音是高音) 2624(Dm) 1624(Dm7) 7(低)624(Dm6) 降7624(Dm#5) 记住的越多,掌握的就越多,最后听到什么就知道是怎么回事了,就算实在扒不了细节,掌握了原理自己加工一下,听着还是会象原版一样的. 节奏吉它是歌曲的骨架,一个职业吉他手一生有90%的时间是在弹节奏吉他,为什么很多人意识不到他的重要呢? linghaiPK：一个好的节奏吉它手可能只能弹节奏...或者是更注重节奏... 而一个好的主音吉它手也应该是个出色的节奏吉它.......... 如果你现在是这种情况的话...那你还不能算是一个好的主音~ 努力努力~~支持支持! 现代吉他练习的十个建议 原作者： 黄叶翻飞转载 （1） 与节拍器一起的练习—你以前或许听到过这个建议，因为它是将你变成一位好的音乐家的最重要观念之一，你一定要尽量确保你的演奏在节奏上的稳定与准确。 （2） 尝试不同的节奏组—许多音乐家经常一再地练习相同的序列和节奏组，这样练习的成果是非常有限的。希望藉由改变节奏组能带给你一些改变。 （3） 试着去扩展标准的乐句—最容易的方法是打开你的思路，将一些标准乐句结合在一起。 在下面例子中我结合两个五声音阶的乐段。这就创造出一个很好的大幅音程跳跃的乐句。 (4) 尝试着用非正统的指型模式—不同的音乐运行方向和方式能开启一些新的音乐灵感。 （5）尽可能多的尝试一些跳弦演奏。 （6）运用音程跳跃的方式演奏—-在下面的这个乐句中我运用了四度和五度的音程跳跃。 （7）了解音阶的内部运行原理—-下面是在Dm11和弦中的D调Dorian音阶的演奏。 （8）运用七和弦的和弦音进行演奏，熟悉这种方法会对你的即兴演奏有很大的帮助。 （9）尝试不同的和弦变化—例如在G大调的所有和弦[Gmajor7，Amin7，Bmin7，CMaj7，D7，Emin7，F#min7B5]，运用各种方式来连接它们，如Gmajor7— Bmin7— Emin7， 或 Amin7—Emin7—F#min7B5等。 （10）每天不要在一种练习上花费过多的时间，假如你每天练习四个小时，最好是练习四种不同的东西，而不是在一个练习上用去四个小时。 得到Billie Joe Armstrong音色的灵魂 原作者： 丝忆吉它世界翻译 问：我已经弹了大约一年的吉它，想做出类似Green Day乐队的Billie Joe Armstrong的音色。我需要买什么样的效果器和音箱呢？ 答： 一个最重要决定Billie Joe Armstrong声音的因素是他的演奏方法。他是一名力度感很好的乐手，经过多年的对设备的使用，他得到了现在非常满意的声音。他的音色很纯正——即使在大多数节奏部分，他也不使用很多效果器。他使用比较传统意义上的演奏方法，通过音箱的干琴通道，比如八十年代大功率的Marshall的JCM800。大他最近的一些录音当中，Billie Joe Armstrong使用一把Les Paul Junior吉它作为他的武器，使用Marshall半堆叠音箱或Fender Bassman做为前级，Marshall分体做为后级。 当把音量开大用力弹奏吉它时，音箱产生出非常美妙自然的失真声音，我们称为输出失真。这种失真和那种使用过载或法兹的失真效果器连接音箱后产生的失真有很大区别。当电子管被推动到极限，吉它手在琴颈上充满激情的演奏，才能带来这种失真声音。 显然，Billie Joe Armstrong的音色非常吸引人，原因就在于它来自乐手手上的触动，而绝非依靠法兹或过载效果器而得来。功能再强大的综合效果器也不可能做出如此的音色，它来自你多年刻苦的练琴，来自你的手和你的心灵。 说到音箱，如果你没有乐队，甚至没有效果器和大音箱，只想自己一个人玩或者录些东西，得到类似Billie Joe Armstrong的音色，你可以使用一个8到20瓦的，有10寸气扬声器的小合体音箱，把音量开到10的位置，基本是这样。Fender，Marshall，Vox和Peavy都可以达到这个要求，但前提条件是确定你使用的是全电子管的音箱，因为只有电子管才能发出那种声音。一旦你得到这样的音色，不断的去练习，做到闭着眼都能弹的地步。然后接上音箱，开大音量，用心去演奏。在这期间，要给自己信心，并不断思考，什么样声音是我所需要的。 琴不是这样弹地——我的练琴心得 原作者： leiwu 来 源： 风华艺校 不管是弹琴有几个月了，还是一年多了，或者是刚把琴抱回家发誓要弹一手好吉他的朋友，在练琴的过程中都或多或少存在着各种各样的误区.就拿我自己来说吧，没有老师教，全靠自己摸索，出现错误也就在所难免了，也走了不少弯路.练了几年琴，水平不怎么样，但回头看看颇有心得，不吐不快，贴上来和大家一起交流，希望能或多或少地给正在埋头苦练的朋友们一点帮助.在这里献丑啦! 如果下面提到的问题正中你下怀，那么我要告诉你：琴，并不是这么弹! 1.拇指问题 很多人在初学的时候，拇指的位置不正确，要么伸出指板老长，能按住六弦甚至五弦，要么就是拇指指向琴头. 拇指伸出指板的后果是，在按弦的时候，特别是按和弦的时候，由于拇指伸出，手腕向外送出不够，导致手指没有垂直指板按弦，下面某一根弦会被按在上面的弦上的手指指肚影响，产生闷音.那有人会问了，看好多老外弹，拇指不也是伸出来的?那是因为他们已经到了那个水平，或者人家的手指足够长.他们在弹琴的时候左手是很随意很放松的，拇指伸出、手腕回收就是一种放松，除非大横按，手腕才会送出.虽然手腕回收，但不影响按弦，每根手指还是垂直指板的，并没有影响到下面的弦，这就是水平的问题.在弹SOLO的时候，当弹到被手指覆盖的下一根弦的时候，他们的手指会下意识地及时地让开，这种下意识在练习音阶地时候就形成了，初学者是绝对做不到地! 拇指指向琴头也是弊端多多.由于拇指乃至鱼际与指板接触面积过大，增加了左手与指板之间的摩擦力，从而使左手在沿指板径向移动的时候滞涩不畅，影响速度. 拇指的正确位置应该处于1.2指之间，指板背面的中部，因为这样左手最稳固.初学应该严格按照正确姿势练，只有基础打好了，以后才能向外国叔叔那样随意，哪怕你像"无影手"那样BT，呵呵 2.按弦问题 总有人抱怨按不住弦，即使按住了，有很大杂音，闷音，总之一个字—-难听!刚弹了两个和弦，手指像断掉了一样，疼痛难忍，满头大汗，积极性打击一半。 其实很多书上都强调正确的按弦方法，但一到练习的时候就抛到九霄云外了，全凭自己的喜好来练. 按弦的时候，手指要垂直于指板，手腕像外送，靠近品柱按弦，手掌要放松.左手过于紧张，把手弄的青筋暴起，别人见了，给面子的说你在练九阴百骨爪，不给面子的说你抽鸡爪风干嘛还抱个吉他.... 在按和弦的时候，手指的延展性和独立性很重要.延展性和独立性不够，按弦会很吃力.所以在练习按和弦的过程中，可以穿插一些音阶的练习.音阶可以有效地提高手指的延展性和独立性.另外可以有空就做做手指操或压指(比如走路、上课、或陪女朋友逛街...)，这里给大家介绍一个常用的手指操：左手四根手指搭在右手手背上，然后两根手指抬起，其余手指保持不动，这两根手指可以是12，23，34，14，13等，各种组合换着练.再说说压指：用右手的手掌去撑左手的两指，比如12，23等，当然啦，拇指和食指就没必要去撑啦，除非你的指板有一米厚... 还有就是按弦的力度.初学的朋友一般按弦都会很用力，力道的控制还不能随心所欲.高手按弦都不是很用力的，太用力手会很疼.所以找一个刚好能按住弦，让弦发出声音的力度去按弦.如果做不到，只有忍受疼痛啦! 3.节奏问题 一些朋友只会看六弦谱上的数字，而不管谱子上的节奏与时值，弹出的曲子节奏一片混乱，万一再加上唱歌跑调，就没法听啦(本人就跑调，但节奏还算准确，勉强还能听).节奏是乐曲的骨骼，没有骨骼的乐曲一片散沙.但如果乐谱上标有"自由地(free)"就另当别论了，既然谱上没标，咱还是老老实实按节奏来吧!你要是执意不管节奏，自娱自乐也就算了，顶多旁边的人跑开，要是以后组乐队呢，总和别人不合拍，把你开除是小事，影响感情就不好啦! 所以，弹琴的时候要认真地用脚打拍子，由慢练起，节奏准确无误了再加快速度，或者干脆去买个节拍器吧!另外，EarMaster是个好东东，里面的节奏训练非常管用，赶快去下，搜一下就找到了 4.华彩问题 苦练几个月终于能弹歌了，歌弹多了难免会腻，想弹点更高水平的，比如华彩。 很多人一上来袖子一抹就照着谱子开弹，左手按的乱七八糟，右手弹的乱七八糟，磕磕巴巴，左手按着三弦，右手已经弹到二弦了，难听至极，弹的人郁闷，听的人愤怒，和人家流畅华丽，激动人心的原版是大相径庭.于是就想了：谱有问题吧?不是谱的问题，是你自己的问题.华彩对手指的延展性，协调性，独立性，还有速度要求很高，当然还有上面提到的节奏.这些都没达标，弹什么华彩?彩都让你弹没啦.华彩不确切地说其实是音阶的变形，将音阶里的个别音符做一下改动或改变一下它们的排列次序和时值，一段华彩就出来了.音阶练好了，手指条件达标了，弹华彩还不跟玩儿一样!唯一要费点心的就是加进去你自己的感情了. 如果你说你速度够快了，弹的很流畅，比原版还精彩，还有什么问题吗?当然有问题!弹华彩没错，但盲目地到处找华彩去弹，为了弹华彩而弹华彩，这就有点问题了.你弹的再好，也是弹别人的东西，充其量不过是锻炼了你的手指或者是多了一样可以拿去炫耀的资本.有虚荣心是正常的嘛，但别把这个作为自己的目标.咱还是要把华彩变成自己的，要去分析这段华彩里用到了那些音阶或模式，它的和弦进行是怎样的，为什么用这些音阶而不用别的音阶，改动一下不按原版弹会不会更好?(要勇于向原版叫板!)把它不择手段地运用到自己熟悉的套路里去，哪怕变的面目全非，这样这段华彩才算消化了，变成你自己的了，你才能放过它 5.急于求成 初学的时候总想明天就能弹出一首歌(MM一时半会儿跑不掉，不用着急)，大忌啊同志们!你应该抱着这个月别想弹出一首歌的想法，老老实实从基本功开始，基础太重要了，必须稳扎稳打，一步一步把基础打好，要把各种各样的错误扼杀在下水道中(你要想扼杀到别的什么地方，我也管不找，总之是扼杀它!)，不然到后面你会发现问题越来越多，再回头补可就困难了，因为你错误的习惯已经养成了. 对于已经有一定水平的朋友，比如看了一段精彩的SOLO视频，手头又有谱，别着急拿起琴就弹，先静下心来分析一下，看看用到那些技巧，有没有自己还没有掌握好的技巧，做针对性的练习，等问题都解决了再去练就容易多了. 6.练琴漫无目的 这一般是已经达到一定水平的朋友们通常会碰到的，差不多什么都会了，可更上一层楼就困难了.比如，弹了两分钟歌，又不想弹了，又找出一段SOLO来练，练一阵又练不下去了，练音阶又嫌单调，练来练去也不知道到底该练些什么. 这个时候你就要制定一个详细的练习计划了，详细到什么地步呢?制定一个月的，再细分到每个星期的，最后到每一天的，并且严格按照这个计划执行，完不成的罚自己零花钱(可以交给女朋友，嘿嘿).基本功的训练是必不可少的，是每天练习的重头戏(很多大师为了自己的技术不退步，每天只练基本功)，所以基本功的时间要多分配一些.比如，如果你每天只有一个小时的练琴时间，前25分钟练习音阶等基本功，接下来的20分钟练SOLO或弹唱曲，最后15分钟对乐谱进行理论分析.我这里只是举一个简单的例子，总之练习计划的制定因人而宜，制定最适合自己的计划 还有，一天中肯定有一个状态最好的时间段，把练习时间安排在这段时间内，这样会事半功倍.很多教材都提到了分散练习，也很有道理.你要是抽不出完整的练习时间，那就一有空就练，把练琴时间分散成若干块，效果也很不错. 说了这么多，无法面面俱到，但都是我练琴过程中的一些心得，没别的意思，就是希望能对坛子里苦练的兄弟们一些帮助，希望大家在练琴的道路上少一点痛苦，多一点快乐. 希望大家在练琴的时候经常问问自己：琴``是不是这样弹地?
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